Sakhile Matlhare, Mitbegründerin des Frankfurter Ausstellungsraums Sakhile&Me, betrachtet sich selbst als gleichwertig als Pädagogin und Galeristin. Nach dem Abschluss ihres Doktorats in Soziologie an der Northwestern University in Chicago entschied Matlhare, dass sie einen Ort schaffen wollte, um Künstlern der afrikanischen Diaspora eine dauerhafte Plattform zu bieten. 2018 gründete sie Sakhile&Me zusammen mit Daniel Hagemeier. Seit der Gründung des Raums war ein kollaborativer Ansatz entscheidend. Anstatt eine Liste von Künstlern zu vertreten, hat Sakhile&Me das Ziel verfolgt, ein breites Netzwerk von Kreativen und Forschern zu unterstützen, indem sie in Einzel- und kleine Gruppenausstellungen investieren, nicht nur in ihrem eigenen Raum, sondern auch auf dem afrikanischen Kontinent und im Ausland durch Kunstmess
Wir haben uns mit Matlhare über die Zukunft des Ausstellungsraums und die Künstler unterhalten, auf die man achten sollte. Sakhile&Me hat kein konventionelles Galeriemodell. Können Sie mir ein wenig über die Galerie und ihre Mission erzählen? Die Galerie ist inspiriert von meiner Promotion, in der ich die Arbeitsbeziehung zwischen Künstlern und Kulturproduzenten wie Kunsthistorikern, Kuratoren, Galeristen oder Sammlern untersucht habe. Bei der Betrachtung von Ideen unsichtbarer Arbeit und Genre habe ich bewusst Künstler und Kulturproduzenten in den Fokus gerückt, deren Arbeit oft als “zeitgenössische afrikanische Kunst” bezeichnet wird. Dabei interessierte mich, wie sich Künstler zu diesem Label positionieren, ob sie sich damit identifizieren oder nicht und wenn ja, auf welche Weise.
Wie hat die Pandemie die Galerie beeinflusst? Der physische Raum ist entscheidend für das taktile und sensorische Erlebnis der von uns präsentierten Kunst, das online nicht angemessen ersetzt werden kann. Wir verstehen jedoch den Wert alternativer Betrachtungsoptionen, insbesondere für diejenigen, die uns auch vor der Pandemie nicht persönlich besuchen konnten. Virtual Tours, Online-Viewing-Räume und interaktive Webinare haben vielen ein Gemeinschaftsgefühl vermittelt, da Gleichgesinnte zusammenkommen, um Ideen auszutauschen, Ressourcen zu teilen und über verschiedene Arbeitsweisen nachzudenken, unfestgelegt von physischen Grenzen.
Wer sind einige Künstler, die Ihrer Meinung nach eine größere Plattform verdienen? Wir bewundern Künstler, deren Arbeit einen starken historischen oder Forschungsanteil hat, aber die auch die Materialien, die sie verwenden, mit Sorgfalt und Absicht behandeln. Nnenna Okore beispielsweise, bekannt für ihre zarten Faserskulpturen aus Textilien wie Jute oder Mulltuch, schöpft ihre Inspiration aus der Natur und betont Nachhaltigkeit und die zerbrechlichen, aber sich selbst erneuernden Eigenschaften unserer Umwelt. Osi Audu malt akribisch minimalistische geometrische Formen, die sich auf westafrikanische Kopfbedeckungen, Masken und Skulpturen beziehen, um die greifbaren und nicht greifbaren Teile des Selbst zu erforschen und den Kopf als Zeichen des Selbstbewusstseins zu verstehen.
Was sind einige Projekte, auf die Sie sich freuen? Unsere erste Ausstellung im Jahr 2021 wird eine Gruppenausstellung mit dem Titel “Gaabo Motho” sein, die sich um das Setswana-Sprichwort “Gaabo Motho go thebe phatswa” dreht, was “es gibt keinen Ort wie zu Hause” oder “zu Hause ist, wo das Herz ist” bedeutet. Es unterstreicht ein Gefühl von Akzeptanz und Fürsorge von oder durch den Ort oder die Menschen, die uns nahe stehen, und lädt das Publikum ein, darüber nachzudenken, was ein Zuhause ausmacht oder tatsächlich ein Gefühl der Zugehörigkeit, das den Betrachter dazu anregt, über die Idee von “meinem/unserem Ort”, “meinem/unserem Körper” und/oder “meinem/unseren Zuhause” nachzudenken. Es ist eine von zwei Ausstellungen im nächsten Jahr, die es uns ermöglichen wird, zum ersten Mal Gemälde und Zeichnungen mit Video- und Lichtarbeiten zu kombinieren, worauf wir uns wirklich freuen.
Was ist eine Ausstellung, die Ihre Arbeit als Galeristin und Ihren eigenen Ansatz zu Ausstellungen beeinflusst hat? Eine meiner Lieblingsausstellungen fand statt, als die Northwestern University Wangechi Mutu einlud, 2014 “Eine fantastische Reise” im Block Museum zu präsentieren. Sie hatte komplexe fantastische Landschaften geschaffen, die riesige weibliche Formen zeigten, die den Betrachter direkt anschauten, als wollten sie fragen: “Was machst du in meinem Raum?” Neben den Collagen gab es eine Installation von Bällen, die von der Decke hingen und mit dem Junk-Mail der Künstlerin gefüllt waren. Die Wände waren mit Damenunterwäsche verkleidet, die zu einem obskuren Wachstum geformt war, das die Ecken der Anzeigeräume befiel, und ein Video mit der Musikperformerin Santigold zeigte sie als Pro-/Antagonistin, die im Himmel schwebte und (leblose) Gegenstände konsumierte, während sie rußigen Rauch ausstieß. Es war eine Ausstellung, die nicht nur die Vorstellungskraft einfing, sondern das Gefühl des Staunens in der Realität verankerte.